1. Pilgrimage
2. The Other Side
3. The Experience
4. Tonight
5. Does Anyone Wish?
6. Yeah Man!

Telarañas y todo me he encontrado al tratar de volver a postear algo en el que sin duda es el más interesante de mis blogs. ¡Qué vergüenza! Pero bien dice el refrán que más vale tarde que nunca, así que casi rozando el nunca he venido para compartir otro de mis nuevos descubrimientos.

El disco de hoy es obra de otro grupo nacional de reciente descubrimiento por mi parte gracias a Diego, que se acerca mucho más a esa increíble comunidad que es Jamendo y que difunde con pasmosa facilidad la música creada por miles de personas y grupos, gracias a este gran invento que es la red de redes (en contra de los pensamientos de quien ya sabemos).

Y ahí, sin comerlo ni beberlo, nos encontramos con este grupo llamado Arenna, naturales de Vitoria-Gasteiz y que empezaron sus andanzas en el año 2005. No hay mucha información al respecto, pero parece que Txus (voz), Javi (bajo), Kike (guitarra), Rober (guitarra) y Guille (batería), se unen en esta formación proviniendo desde bandas de estilos muy distintos y acaban creando un estilo propio. He visto por la red que mucha gente los incluye dentro del stoner, y aunque ellos mismos se declaran simplemente amantes de los riffs pesados, a mi me parece que desprenden un poco de ambas y un bastante de algo que no sabría bien definir, pero que les aporta un toque especial.

Su único lanzamiento es la demo que presento hoy, que fue grabada en 2006, según ellos mismos con pocos medios y muchas ganas. Y desde luego las ganas se notan, y han hecho que estos 6 temas te dejen tan buen sabor de boca, que finalmente se queden cortos y tengas que poner la demo un par de veces para tener una sensación plena. Riffs contundentes, sí, pero con estilo, sin abusar de estructuras requetemanidas pero con sencillez y toda la frescura que se le puede sacar a este tipo de música, bastante más cercano a la sequedad del desierto.
Y es que, hasta hace un par de años yo pensaba que en España no había grupos que merecieran la pena y últimamente me estoy llevando unos buenos collejones, y con razón, porque rascando un poco la superficie, puedes encontrar pequeños regalos como este, que enriquecen el panorama mainstream, casposo a más no poder.
Os animo a que os bajéis la demo, que está disponible aquí, le déis un repaso y suscribais o refuteis mi humilde opinión con vuestros comentarios. Y si sois perezosos y no queréis poneros ahora a bajar pues podéis pasaros por su Myspace, o escuchar ahora mismo el primer tema de la demo, “Pilgrimage”:

1. Cradle Rock
2. I Wonder Who
3. Tatto’d Lady
4. Too Much Alcohol
5. As The Crow Flies
6. A Million Miles Away
7. Walk On Hot Coals
8. Who’s That Coming
9. Back On My Stompin’ Ground (After Hours)
10. Maritime

1. Caucasian Rock
2. Bad Fun
3. Slaves to The Moon Theme
4. Betrayed
5. River of Mud
6. Gypsy Wizard
7. West of Eden
8. Band Plays On
9. Timothy
10. Prometeus

¡Ey! ¿Dónde estoy? ¿Qué ha pasado? ¿De verdad llevo meses sin actualizar el blog? ¡No puede ser! En fin, en cualquier caso aquí estoy para remediarlo, así que vamos a ello.

El disco de hoy, es uno de la larga lista de sorpresas que me he llevado en este lapso de tiempo apartada del teclado, que no de los auriculares. Y es que he descubierto que en este país aún existen grupos que apuntan buenas maneras, hacen música de verdad y además de una calidad bastante respetable. Uno de estos grupos y no el último que reseñaré, son Amon Ra.

Este grupo nace en Asturias allá por el año 2003, formado por tres muchachos cuyos nombres (artísticos supongo) son Manfred (voces y bajo), Daddy (coros y guitarra) y Little Thunder (coros y batería). Tras algunas maquetas y un primer debut, acaban publicando ‘Slaves to the Moon’, que suena fantásticamente bien y entra de principio a fin, quizá por la razón de que, como ellos mismos dicen, sus esquemas compositivos son muy sencillos. Y es que estos chicos de Oviedo, como ya hicieran otras grandes bandas en la historia del rock, no buscan complejas melodías, cambios rebuscados o acordes imposibles, sin embargo sus riffs son tan efectivos que no es difícil que el disco se te pase volando sin darte ni cuenta de lo que ha sucedido y tengas que ponerlo otra vez para saciar tus ganas de más Amon Ra.

Quizá heredado de esas grandes bandas de rock es su sonido, que tiene algo de psicodélico, algo de british heavy metal, algo de 70′s, algo de stoner (si es que el stoner es algo que se pueda definir realmente) y algo suyo que no sabría muy bien definir, pero que sin duda hace que al menos se merezcan una escucha, si no más de una.

Si hay algo del disco que quizá puede no gustar a todo el mundo es la producción. Para los amantes del buen sonido 70′s, algo de eso hay, ya que el sonido no es ni mucho menos pulido y si con bastante punto crudete, aunque claro, los instrumentos y el formato suenan del año que son. Si buscáis perfección, no la váis a encontrar, aunque tiene puntos realmente buenos, como en el tema “West of Eden” con esos teclados, y esos cambios que a todos nos hacen soñar con los Doors o con Booker T. & the Mg’s (sin llegar a su genialidad, claro está), o “Band Plays On” con un sonido Motörhead que tira para atrás. Todo suena sin embargo muy natural, parece que cada acorde es la evolución acertada del anterior, y las distintas secciones de las canciones no son de esas que parecen metidas con calzador, sino que, como piezas de Lego (y de eso una sabe bastante) encajan a la perfección.

En definitiva, podéis pasaros por su mySpace para tener un pequeño anticipo, pero sin duda, yo os recomiendo pegarle una escucha al disco, y si os mola, compradlo leche, ¡que no todo va a ser bajar y bajar, piratillas!

Escucha “Slaves To The Moon Theme”:

Este disco es el segundo lanzamiento de los Canadienses Bionic. Esta banda de rock’n'roll, heredera de la vertiente más garajera y distorionada del rock, fue fundada en 1998 por el guitarrista y cantante Jonathan Cummings. La banda se completa con Timothy Patrick Dwyer en la batería, Paul Julius al bajo y Jean Belanger en la otra guitarra.

Lo que tenemos aquí es una colección de temas que destacan por su sonido directo y la actitud rockera, casi punk que destilan. Hay que tener en cuenta que sus mayores influencias, según cuentan ellos mismos, son Black Flag, ZZ Top, Kyuss, The Bellrays, Rocket From The Crypt y todo el Rock Punk de los años 60. Toda esta mezcla musical es la que da como resultado estas canciones, que, como ya se ha apuntado antes, se mueven entre el rock and roll más puro, el rock punk, y el estilo que se ha dado en llamar últimamente stoner rock y que tiene a Kyuss como mayor influencia.

Además de todo lo dicho anterior, que ya haría al grupo merecedor de una escucha, Bionic es un grupo con personalidad propia, que hace rock y se nota que disfruta con la música que hace, haciendo disfrutar a los demás. Cuando se escucha el disco por primera vez, lo primero de lo que uno tiene ganas es de ponerlo de nuevo y ponerse a saltar con cada una de las canciones.

El disco es pura energía, es, como Jonathan Cummings confiesa, “un zumbido poderoso”, que no puede dejar indeferente a ningún amante del rock. Yo les pondría seguramente al mismo nivel que el también canadiense Danko Jones, al que por cierto dedican una canción.

Y esto no es lo último que se puede escuchar de ellos. Ya tienen a la venta un disco más, titulado Black Blood. Aún no he podido escucharlo, pero si mantiene el nivel y el saber hacer de este Deliverance, merecerá la pena de sobra. Aunque
no he tenido el placer de verlos en directo, por lo que he podido leer, mantiene e incluso amplifican su energía en el escenario, así que son dignos de ver.

Se puede decir que este grupo, sólo con estos comienzos, ya se ha puesto en la primera línea musical del rock internacional, y habrá que tenerlos en cuenta cuando se hable en el futuro de este tipo de música. Si te gustan los discos de rock directo y poderoso, este es tu disco. Y tu grupo.

Escucha “Turn You Out”:

Bueno, después de algunos meses de parón motivados por diversas causas que no vienen al caso, volvemos con fuerzas renovadas, y con cosas novedosas que dar a conocer a nuestro más que reducido público.

Como véis arriba, el grupo que hoy os traigo se llaman A Tijuana Trip y en este caso hablaremos de la primera de sus demos, A Meth-Lab Experience, que data de 2006. He de decir que la información al respecto es increíblemente escasa y la mayor parte de la que hay está en francés, puesto que este proyecto, que lleva un solo hombre llamado Pierre Gilbert, nace en la ciudad de Lyon.

Como él mismo se describe en su MySpace, el estilo musical podríamos llamarlo “stoner surf”, ya que se sirve tanto del legado de grupos como Kyuss, Monkey 3 o Yawning Man como de algunos toques del sonido Beach Boys (realmente difícil de detectar, aunque si se escucha detenidamente y con una buena dosis de ácido encima, quizá se haga más patente).

El resultado de todo esto es, tal y como reza el nombre del grupo, un breve (sólo contamos con cinco temas) viaje instrumental a lo más recóndito del desierto de Tijuana, tumbados en la parte de atrás de un coche y alucinando pepinillos por las drogas y/o sustancias chamánicas recién ingeridas. No hay voz, pero ni falta que le hace, porque aunque la producción no es lo mejor (recordemos que es solo una demo) los riffs enganchan y se te meten en la cabeza transportándote a otro lugar.

Momentos psicodélicos que, el propio Pierre dice, toman su inspiración de las Desert Sessions de Josh Homme pero adaptadas a esta “one-man-band”, que representa todos los papeles. Para mi gusto, este disco tiene un toque exótico que te hace disfrutar de su escucha, sentarte relajadamente en el sillón e imaginarte lugares a muchos, muchos kilómetros de donde estás. Merece mucho la pena darle una oportunidad, e incluso pasarse por su MySpace a escuchar los temas de la segunda demo de 2007, Everybody Needs It, que tiene un toque bastante distinto, pero no por ello peor fabricado.

Para los interesados, hace tiempo puso un bastante explícito anuncio en la red buscando batería (“fans de Green Day y U2 abstenerse”) por lo que quizá se sienta solo y todavía ande buscando alguien que le eche una mano en esta empresa más que interesante, ¡asi que ya sabéis!, que la cosa promete.

Por último, dar las gracias a Arno (a.k.a. khabata) que vive cerquita de Ginebra, y colega de last.fm, que me ha echado una mano con la información en francés, porque si no… aún estaría con el diccionario arriba y abajo para escribiros estas líneas. Merci beaucoup!

Como decía alguien en un post de los miles que he leido estas semanas, “¿quién se apunta a crear un sello para sacar el primer disco de A Tijuana Trip?”

Escucha “Opium”:

Para aquellos que no lo conozcan, Devin Townsend es un músico canadiense conocido tanto por su labor como vocalista/instrumentista como por su labor en la producción de una gran cantidad de discos importantes especialmente en el panorama metalero.

Como músico, destaca su labor al frente de la banda de metal extremo Strapping Young Lad, la cual aprovecho para recomendar desde aquí, ya que me parece una de las bandas más originales y frescas dentro de ese genero musical. Las influencias de SYL van desde el metal industrial al jazz, con un gran toque progresivo en las composiciones. Según el MySpace de la banda, suenan como: “insanity… with a side of sour grapes” (Locura, con un toque de uvas amargas), lo que nos puede dar una idea de por donde va el grupo, y sobre todo el hombre que nos ocupa.

Y es que Devin Townsend se caracteriza, además de por su calidad como instrumentista y cantante, por no tomarse demasiado en serio, y por la experimentación en la musica y en los conceptos tratados por ella, muy alejados de los clichés del metal.

Además de los discos de Strapping Young Lad, ha lanzado varios discos en solitario y ha formado parte de otras bandas como The Wildhearts o su propio proyecto, The Devin Townsend Band. También fue el cantante en el álbum “Sex & Religion” de Steve Vai.

Como productor, su carrera tampoco se queda corta, y ha producido discos de artistas muy famosos dentro del metal extemo como Soilwork o Lamb Of God.

Actualmente, parece ser que Townsend ha disuelto los dos grupos que seguían en activo, Strapping Young Lad y Devin Townsend Band, y ha decidido dedicarse exclusivamente a lanzar discos en solitario, siendo este Ziltoid el primero de esta etapa.

Y hablando ya de este disco en concreto, tenemos que decir que estamos ante un gran disco, que podríamos catalogar de metal experimental, metal progresivo, y tal vez de más etiquetas, pero que realmente es dificil de encasillar por su propia
naturaleza.

Para empezar, estamos ante un disco conceptual. Y el tema del disco ya es original. Se trata de un cuento humorístico de ciencia-ficción, que toma sus influencias de las peliculas antiguas de marcianos de serie B, o por la estética, de la más moderna Mars Attack. De esta última película también el humor en el argumento.

Resulta que el álbum cuenta la historia de Ziltoid El Omnisciente. Un alienígena con el poder de controlar el tiempo que llega a La Tierra y, mediante un comunicado, lanza un ultimatum a los terricolas, deben prepararle un café negro bien hecho, y en menos de 5 minutos terrestres.

Así arranca esta absurda historia, que continúa con el extraterrestre tocando la guitarra durante su estancia en nuestro planeta, con un tal Devin Townsend como productor.

Pese a lo extraño del argumento, hay que prestar especial atención a la música de este disco, que se pasea por el metal progresivo con una impresionante calidad para mi opinión. Townsend toca con maestría todos los instrumentos (menos la batería, que es programada), y yo personalmente destacaría la potente su voz, que va de lo melódico a los gritos más desgarrados.

No me queda más que recomendar de principio a fin este disco, que puede echar para atrás por su temática, pero que es una muestra de Música con mayúsculas. Es como una montaña rusa de sonido con la que se disfruta de principio a fin, ¡y
además el envoltorio es divertido!

Y para terminar, me despido con un enlace a un divertido video donde podemos ver el comunicado que Ziltoid El Omnisciente envía a los terricolas en su llegada

Escucha “By Your Command”:

Hace poco descubrí este disco, y me sorprendió gratamente saber que la procedencia de este grupo es más cercana a la mía de lo que me podía imaginar.

Grupo ya disuelto, Fooz son de Alicante, España y practicaban un estilo increiblemente personal y de lo más profesional, para lo que nos tienen habituadas las bandas españolas, por lo que da un poco de rabia pensar en que estos chicos pasaron prácticamente inadvertidos a pesar de su enorme talento.

Originariamente una banda de tributo a Black Sabbath desde 1995, en 1998 sustituyen a su batería y a su bajista y se dedican a componer sus propias canciones. ¡Y que acertado! Pablo Banon (batería), Andrés Lizón (bajo, hammond, synth, alguna que otra guitarra), Ignacio Luri (voz, guitarra rítmica) y Juan Ángel Gómez (guitarra solista) crean algo para lo que no estábamos preparados: una increíble mezcla de sonidos psicodélicos, ritmos árabes, toques de sintetizador que se intercalan en los pasajes acústicos e incluso guitarras rayando lo stoner en algunos momentos. Todo ello fruto de los gustos generales del grupo por el Heavy Rock de los 70, los primeros grupos de pop británico y el gusto particular de Juan Ángel por la Ciencia Ficción, el Space Rock y grupos como Gong o Hawkwind (como podemos ver en el tema que encabeza el disco, el cover Space is Deep).

Estas 16 canciones (algunos temas se repiten, aunque son grabaciones distintas, con distinta interpretación) son una recopilación que el sello al que pertenecía la banda, Alone Records, hizo en 2005 del único álbum de la banda llamado Fooz y un EP acústico de 6 temas que nunca llegó a salir a la luz y que los propios Fooz esperaban editar o emplear como caras B de sus próximos discos, aquellos que se quedaron en el tintero para desgracia colectiva.

Estupenda la versión de Pink Floyd, Astronomy Domine, y por supuesto todos los temas propios son enormes. Mine, Flower’s on Me, Cool Guys (aquí se les ve la vena más rockerilla e incluso algo desértica) son temas que , y que me perdonen los aludidos, nunca imaginé que una banda española pudiera fabricar.

Lo único que siento es no encontrar un adjetivo que describa su música para que la gente entienda qué quiero decir. Me imagino que es porque la experiencia de escuchar este disco es totalmente subjetiva, asi que hacedme el favor de darle un repaso y a lo mejor flipáis como yo pensando que estos chicos tuvieron que grabar su único y magnífico disco por las noches, porque por el día curraban como todo hijo de vecino y que finalmente no se hicieron más famosos que la bebida esa refrescante americana…

Escucha “Mine”:

Ahora que dispongo de un poco de tiempo aprovecho para actualizar el blog con este disco que descubrí hace unos meses y que me dejó una estupenda sensación, tanto es así que ya tiene entrada en este blog de “música selecta”.

Five Horse Johnson se forman en 1995 en… ¿Toledo? Sí, pero no el de aquí, sino el de Ohio, a unos cuantos miles de kilómetros, y aunque al principio tenían la idea de llamarse Four Horsemen of The Apocalypse, debieron pensar que era pasarse un poquillo y rebajaron un poco la maldad implícita del nombre.

Como ellos mismos cuentan, su objetivo en principio era convertirse en una banda de Blues, y ya entonces sabían que encontrarían la típica objeción de “blancos y haciendo blues, pfff”, pero como ellos tenían claro que el Blues es del que lo quiere hacer y como lo quiere hacer, allá que se fueron a patearse su tierra natal haciendo conciertos. Y con unos resultados muy buenos, como demuestra este su segundo disco y que está repleto de respetables canciones.
En el momento de sacarlo a la calle (Smallstone Recordings, 2000), y aunque he encontrado información algo contradictoria al respecto, parece ser que teníamos a Eric Oblander como vocalista (algo de arpa también), Phil Durr en una de las guitarras, Brad Coffin en la otra guitarra y marcándose los coros, Steve Smith en el bajo y (aquí es donde no está muy clara la cosa) a la batería Tim Gahagan.

Su estilo es una mezcla de buen blues rock, puntillo southern manifiesto, aunque son apreciados también por la comunidad stoner por detalles que hacen que se noten sus largas giras en camioneta con los Clutch como acompañantes (sobretodo en sus últimos discos, y algo menos en éste). Y es que a estos chicos nada les va más que un buen concierto regado con abundantes tragos de licor, cerveza y todo los que se les ponga por delante y el público encendido pidiendo más de los que ellos dan, que no es poco oiga (y si no probad a bajaros el estupendo directo de “Blues for Henry…”).

Estas 10 canciones son un derroche de guitarreo del bueno, una armónica del Demonio, reminiscencias de la América profunda por doquier y enormes ganas de pasárselo bien. A destacar el hidden-track Dead Language y She Don’t Know, aunque todo el disco es de una vez, eso os lo garantizo.

¡Disfrutadlo!

PD: Os conmino a que visitéis el MySpace de estos señores, y le echéis un vistazo a sus influencias…¡por si alguien no lo tenía claro!

Escucha “Lightning When I Need”:

En esta ocasión, vamos a hablar de The Answer, el grupo que para mucha gente es el nuevo exponente del hard rock con raices setenteras. Escuchando este primer trabajo de los de Irlanda del Norte, uno tiene la sensación de una pequeña y placentera vuelta al pasado, a la época en la que triunfaban grupos como Led Zeppelin, Deep Purple, AC/DC o Thin Lizzy.

Y es que The Answer es un grupo que viene a revitalizar el Hard Rock más clásico, con canciones muy directas que beben directamente de las obras de los maestros antes mencionados, y que le hacen a uno saltar y seguir el ritmo a gusto. Podríamos emparentar a este grupo con otros grupos de los últimos años, que reivindican estos estilos musicales clásicos, y que están teniendo bastante exito en su empeño, como por ejemplo los británicos The Darkness.

Todas las canciones están más o menos influenciadas por el Hard Rock, con ciertos toques sureños y con acercamientos también al blues (sobre todo en el quinto corte del disco, Memphis Waters). Precisamente, la única pega que se les
podría poner a The Answer es la falta de innovación, pero creo que la calidad de la música hace que este “defecto” no sea tal. Escuchando a este grupo uno sabe lo que va a escuchar desde el principio, y ellos lo dan y con creces.

A lo largo del disco se mantiene un gran nivel, con canciones llenas de energía y de sabor clásico, que hacen de este álbum una escucha obligada para todos aquellos que han disfrutado siempre de los clásicos. Es probable que The Answer no llegue nunca a ese nivel (tampoco es la época adecuada, tal vez hace 30 años…), pero el disco se disfruta de todas maneras, y da ganas de volverlo a escuchar.

La banda está formada por Cormac Neeson (voz), Paul Mahon (Guitarra), Michael Waters (Bajo) y James Heatley (Batería). Entre estos cuatro músicos han conseguido un disco de una gran calidad, y que además, al ser su debut, crea una gran expectación sobre sus siguientes trabajos. De momento, ya se puede conseguir una edición especial de este Rise, que contiene hasta 15 pistas nuevas. No he podido escuchar aún esta edición con extras, pero al parecer, se
compone principalmente de caras B de algunos singles, canciones en directo, y algún tema nuevo. Habrá que estar atentos para cuando aparezca material nuevo de este prometedor grupo.

Escucha “Under The Sky”:

Bueno, de nuevo pospongo el post que tenía preparado, debido a que he perdido toda la información que estaba lista para publicar, así que en vez de rehacerla, he decidido cambiar de aires mientras la busco.

Para ello he elegido este disco que no es que haya descubierto ahora, ya que lleva algunos años conmigo, pero hace poco que lo rescaté, y me apetecía compartirlo, ya que pienso (puede que esté equivocada, ojo) que este grupo y por ende este disco han pasado en general bastante inadvertidos para el público, sobre todo de esta zona de Europa.

Thee Hypnotics fueron un cuarteto que salió a finales de los 80 de High Wycombe, una pequeña ciudad del noroeste de Londres, con ganas de darle un repasito a algunos clásicos de toda la vida como Cream o Jimi Hendrix, salpimentando con su gusto por los Rolling Stones y sin dejar de introducir algunos toques de MC5 o The Stooges.

La formación original estaba compuesta por Jame Jones (voz), Ray Hanson (guitarra), Mark Thomson (batería) y Will Pepper (bajo) y se convirtieron en los favoritos de la prensa musical británica con sus primer single de 1989 ‘Justice in Freedom’, de 9 minutazos, que supuso según los periodistas de la época “una vuelta a los primeros días del Metal Inglés”.

Entre ese primer single, recogido junto con otros cuatro temas en un EP titulado ‘Live’r Than God!’ y el disco que protagoniza el post de hoy, pasaron 5 años y numerosos gajes del oficio del rock, como drogas y sustituciones, entre otros. Así que ya en el año 1994 nos encontramos con un nuevo batería, Phil Smith, un productor como Chris Robinson (cantante de los Black Crowes), la guitarra siempre increíble de Marc Ford y los teclados de Eddie Harsch, también de los Crowes.

Es destacablemente irónico que a pesar de trabajar para este disco en un estudio de California y con un buen puñado de americanos, los expertos en la materia afirmen que su sonido se acerca mucho más al sonido puramente inglés de los Led Zeppelin o los Stones de finales de los 60, que en cualquiera de sus anteriores trabajos, y que además, fuese el broche final de la carrera de este grupo (aunque no de la carrera musical de sus miembros, ya que por ejemplo Jame Jones fue cantante de Black Moses y actualmente de The Jim Jones Revue).

Desconocido para el gran público aunque enormemente recomendable, solo el estupendo comienzo con ‘Keep Rollin’ On’ y su guitarreo zeppeliano, ya merece la pena como para darle una oportunidad. Tampoco se quedan atrás los otros 12 temas de lo más variopinto, pero que no pierden ni un ápice de calidad y que te hacen viajar en el tiempo unos cuantos años. Para aquellos que nacimos con dos décadas de retraso, tiene su encanto, de verdad.

Escucha “Keep Rollin’ On”: